Focus #1 – “How Photography Has Shaped Perceptions of African Women”

Two Young Ye-Ye girls with sunglasses. Bamako, Mali, 1965. Credit Abdourahmane Sakaly. Courtesy of the McKinley Collection.

Fotota propose une nouvelle rubrique, “Focus”, qui remplace les revues de presse. Cette rubrique permet de revenir sur un ou des articles en ligne qui ont retenu notre attention pour différentes raisons.

L’article “How Photography Has Shaped Perceptions of African Women” signé Fayemi Shakur, paru le 14 novembre 2018 dans The New York Times, aborde l’exposition “Aunty! African Women in the Frame, 1890 – Present”, proposée par Laylah Amatullah Barrayn et Catherine E. McKinley, et présentée à la United Photo Industries Gallery à Brooklyn (NY) jusqu’au 31 janvier 2019.

Cet article nous interpelle à plus d’un titre. Tout d’abord, si le chapeau de l’article affirme que l’exposition “révèle le rôle de la photographie en tant qu’outil ou arme pour soulever des questions d’identité et d’émancipation” (“reveals photography’s role as a tool or weapon when investigating identity and empowerment”), ce à quoi nous souscrivons entièrement, force est de constater que le titre même de l’exposition – “Aunty!” / “Tantie !” – semble, malgré les explications des commissaires, la restreindre quelque peu…

Aussi, certains passages de l’article, qui cite les deux commissaires de l’exposition, nous ont laissées perplexes, par exemple quand Catherine E. McKinley explique comment elle a commencé à constituer sa collection, en visitant des particuliers : “J’allais chez les gens et ils me laissaient regarder leurs albums de famille (…) Quand ils avaient des images multiples, cela ne les dérangeait pas de me donner des copies” (“I would go to people’s homes and they would let me look at their family albums,” she said. “They would have multiple images and wouldn’t mind giving me copies”). Nous ne connaissons pas les conditions de cette collecte qui, d’après l’article, semble s’être faite aisément. Cependant, nous constatons un flux d’images à sens unique qui permet de construire des archives ailleurs, tandis que ces images personnelles, détachées de leurs contextes particuliers, se voient attribuer – certes avec les meilleures intentions (les auteurs insistant sur l’agency / agentivité des sujets représentés) – une autre narration qui les recadre à leur manière (ironiquement, le sous-titre de l’exposition est “African Women in the Frame, 1870 to the Present”).

Quand elles ne sont pas l’oeuvre d’artistes actuels (Thabiso Sekgala, Zina Saro Wiwa, Fatoumata Diabaté) ou de photographes de renom déjà bien identifiés (Malick Sidibé, Abdourahmane Sakaly, James Barnor), les images qui sont présentées dans l’article portent, pour la plupart, la mention “McKinley Collection” : anonymisées, seulement identifiées par le nom de la collection dont elles proviennent. Pourtant, elles sont toutes le produit du travail de studios dans différentes villes africaines, qui sont pour la plupart retraçables, pour peu qu’on se donne la peine d’entreprendre ce travail de recherche (le tampon du studio figure vraisemblablement au dos de certaines d’entre elles). Quand elles proviennent du marché (acquises par un achat en ligne, etc.), comme cela est peut-être le cas ici, ce facteur d’invisibilisation des producteurs au profit d’un focus sur leur contenu visuel, est certes encore plus puissant.

Par ailleurs, selon Laylah Amatullah Barrayn, co-commissaire de l’exposition et co-auteure de MFON: Women Photographers of the African Diaspora, “les photographes coloniaux utilisaient les images à des fins complètement différentes sans que le sujet n’ait son mot à dire sur la façon dont la photographie était utilisée.” (“Colonial photographers used images for completely different intentions without the subject having any say in how the photograph was used.”). Certes, mais dans le cadre de cette exposition tenue à Brooklyn, les sujets – “aunties” – de ces photos ont-elles eu leur mot à dire, quant à l’utilisation qui est faite de leur image intime ?

Cette question éthique (droit à l’image) nous renvoie à la posture nuancée de l’artiste Karl Ohiri qui hésitait le mois dernier à présenter sa collection personnelle, Lagos Studio Archives, dans le cadre de LagosPhoto, comme en témoigne ce passage d’un entretien très complet publié sur le blog d’Afrique in visu (mais où les visuels sont étonnamment grands et parfois contredisent ces doutes et choix de visibilité) : “Je pense qu’Hal Foster [critique d’art américain, auteur d’un article important, “An Archival Impulse” paru dans la revue October, vol. 110, Automne, 2004, pp. 3-22] souligne un élément important : les archives ouvrent un certain nombre de possibilités et l’artiste ou le conservateur est ainsi en mesure d’étudier et/ou de construire du sens à partir de celles-ci. Ce processus s’apparente pour moi à l’idée d’une résurrection : l’idée de ramener à la vie quelque chose qui était disparu et de recréer une histoire. (…) Travailler sur ce projet m’a obligé à vraiment prendre en compte la manière dont toutes les archives sont aussi « publiques que privées ». Ce fonds regorge de photographies intimes et je me demande constamment pourquoi et si ces images doivent être montrées au public. Je remets constamment en question les limites entre le domaine public et la sphère privée et cela restera, je pense, l’une des questions essentielles pour le futur de ce projet.”

 

 


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